Avant tout, il faut parler d'elles. Deux femmes : Sarah Polley et Michelle Williams. L'une rousse, peau diaphane, discrète, qu'on ne verra pas mais qu'on sentira derrière chaque plan. L'autre blonde, éclatante, magnifique, qui bouffe l'écran à chaque plan, chaque regard, de fait, on ne voit qu'elle. Et puis, il y a un film. Une histoire d'amour(s), une histoire d'adultère, une histoire de passion(s), une histoire sur une femme qui aime, beaucoup sans doute, mal peut-être. Elle s'appelle Margot, vit heureuse avec son mari Lou, auteur de livres de cuisine spécialisés sur le poulet. Un jour, alors qu'elle rentre de France pour son travail, elle rencontre dans l'avion Daniel. Le jeune homme est séduisant, drôle. Et il habite en face de chez eux. 

Comment faire quand on tombe amoureux alors que l'on est marié? Outre cette question que divers réalisateurs ont développé (de Sur la Route de Madison à The Deep Blue Sea), Sarah Polley filme également "l'après", les conséquences, à travers un beau travelling autour d'un lit. Le sexe. Et puis la vie commune. L'ennui. Les regrets ? Ai-je fait le bon choix? semble nous crier le beau regard de Michelle Williams dans la dernière scène du film. Une question que Sarah Polley laisse en suspens, préférant nous laisser le choix de répondre cette question. La grande force de la cinéaste est de ne jamais juger ses personnages mais de montrer en petites touches tendres comment on peut tomber amoureux d'un autre alors qu'on est marié (l'adultère est souvent un thème filmé de manière négative, ici c'est lumineux même si mélancolique).

Sarah Polley tisse un drame remarquable jamais larmoyant, lumineux, solaire, à l'image de son premier long-métrage, Loin d'elle (Away from her, 2006, avec Julie Christie). Elle est une des rares réalisatrices à filmer aussi bien les petits touts et les petits riens de l'amour, cette magie qu'il y a entre deux personnes qui ne s'explique pas. Malgré la douleur et la tristesse qui accompagnent Margot dans ses choix, on a juste envie d'être amoureux nous aussi. L'amour rend heureux, mais il fait aussi souffrir : la réalisatrice l'a bien compris et a su le retranscrire. C'est bien le charme de Take this waltz : ces scènes entre les Margot et son mari (Seth Rogen, épatant dans un contre-emploi superbe), les étreintes, les mots d'amour au lit, les regards qui disent tout et puis celles avec Daniel (Luke Kirby), timides, jusqu'à ce que les corps se rapprochent petit à petit en s'effleurant (les scènes dans le manège et au bar où elle lui demande de lui raconter ce qu'il lui ferait, sont des bijoux). De la mise en scène à la bande sonore, tout est soigné et l'on ne peut que saluer l'immense talent de Sarah Polley, très bonne actrice qui a su se réinventer en tant que réalisatrice. Chacun de ses films devraient à présent être un évènement. Courrez regarder ce film injustement boudé par les salles de cinéma.

Dvd reçu dans le cadre de Dvdtrafic, un grand merci à Cinetrafic.

Take this waltz de Sarah Polley

Sortie en DVD et blu-ray le 15 mai 2013

Distribué par TF1

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Michel Gondry, cinéaste fantasque, réussit un tour de magie : adapter le roman jugé inadaptable de Boris Vian, L’Écume des jours. Cette histoire c'est celle, romantique, de Colin qui rencontre Chloé, tombe follement amoureux puis, tragique, quand il découvre qu'elle a un nénuphar poussant dans son poumon. Peut-être une des plus belles histoires d'amour du 20e siècle et un des plus grands romans de la littérature française.

Le film, évidemment, divise. Il n'est pas aisé d'adapter la prose fantaisiste et cruelle de Vian. A mon sens, Gondry arrive à s'en emparer et à livrer son adaptation à la fois personnelle mais fidèle. Le piano-cocktail (ou pianocktail) est là, l'arrache-coeur aussi, quand à Jean-Sol Partre, il fait vibrer les foules, donc Chick, le meilleur ami de Colin. Michel Gondry a truffé son film de petits détails déjantés, d’œuvres toutes plus loufoques les unes que les autres. Il a également accordé une grande attention aux couleurs, notamment le passage des couleurs vives au noir et blanc, au fur et à mesure que Chloé dépérit sans que Colin ne puisse rien n'y faire. Le couple d'amoureux condamnés est d'une grâce folle, Romain Duris est touchant comme jamais tandis que Audrey Tautou est légère et pleine de charme (un peu à la façon d'une jeune Audrey Hepburn). Autour d'eux gravitent des seconds rôles magnifiques, Alise (Aïssa Maïga), Chick (Gad Elmaleh), Nicolas (Omar Sy), Charlotte Le Bon (Isis)...Si au début on a le sourire aux lèvres (la rencontre de Colin et Chloé, leur premier baiser, leurs sorties à la patinoire), l'ombre de la maladie et de la mort vient vite assombrir tout ça. On en avait presque oublié que l’Écume des jours n'est pas juste une histoire d'amour, mais également une critique de la société des années 40 (date de publication : 1947) : le coût de la vie (Chick n'arrive pas à payer ses impôts ni à vivre décemment) ainsi que le prix très élevé des médicaments (Colin se ruine pour payer les médicaments pour Chloé),  le commerce des armes, la médiatisation et l'addiction (Jean-Sol Partre), la police, la lutte des classes, la religion, les conditions de travail inhumaines...Mais sur l'air jazzy de Chloé de Duke Ellington, nos héros viennent de se rencontrer, dansent le biglemoi et ne savent pas encore la mort approche à grand pas. Savourons avec eux ces derniers moments de grâce.

Cette version de L’Écume des jours ne séduira pas tout le monde et n'est pas exempte de défauts, mais je vous la conseille vivement. Etant un des mes romans préférés, je ne pouvais passer à côté et je n'ai pas été déçue. 

Il y a quelque chose de terrible, un parfum d'inéluctable qui se dégage de Shadow Dancer, polar noir de James March (déjà réalisateur d'un épisode de l'excellente trilogie The Red Riding Trilogy). Un évènement douloureux va plonger une famille de Belfast dans un cercle d'autodestruction, de violence et de tragédie, sur fond de conflit irlandais. De nombreux films ont su brillamment parlé de ce sujet ( Au nom du père, Le vent se lève, Fifty Dead Men Walking, Hunger....). Ici, le réalisateur se démarque un peu des films cités précédemment car il privilégie une esthétique et une atmosphère et le point de vue d'une famille enchaînée à ce passé si noir et triste. 1993. Collette, mère célibataire, élève son fils et vit avec sa mère et ses deux frères, dont l'un est un fervent activiste pour l'IRA. Envoyée à Londres pour commettre un attentat terroriste, elle se dégonfle au dernier moment et s'enfuie dans les tunnels du métro jusqu'à être retrouvé par des agents du MI5, donc un certain Mac (Clive Owen, excellent et sobre) qui va lui faire une proposition: espionner les siens et ainsi pouvoir vivre avec un fils, ou aller en prison et abandonner son fils aux services sociaux. Prise à la gorge, la jeune femme accepte après de longues hésitations. Elle rentre ainsi à Belfast et se retrouve confrontée à ses frères et à un certain Kevin, qui se questionne sur sa loyauté depuis l'attentat raté. 

Le cadre est gris, froid, mais parfois percé d'éclats lumineux ou de couleurs vives (tel le manteau rouge flamboyant de Collette). Collette, écartelée entre sa famille et sa culpabilité, et ce qu'elle a promis de faire en échange de sa liberté, se débat, frôle la mort. " Je suis morte" assène-t-elle à Mac, à un certain moment du film, la gorge serrée. Lui, commence à s'amouracher de la belle jeune femme et est prêt à tout pour la sauver de ce piège qui se referme sur elle. Leur relation les met en danger, l'ambiguîté se mêle à cette histoire de trahison et risque de changer la donne. Film d'espionnage, film noir, tragédie grecque, histoire d'amour, le scénario de Shadow Dancer se risque à étonner par son mélange de genre et une écriture resserrée, tendue. Vous ne trouverez pas de grand moment d'action, mais le climat instauré par James Marsh empêche l'intensité du film de retomber. Résultat, on est suspendu au film pendant 1h40. Et le final, inattendu, sombre, ne fait que confirmer l'inéluctabilité de cette tragédie et la force des liens du sang. Est-on prêt à tout pour sa famille?

La révélation du film? Andrea Riseborough, qui n'est plus vraiment une révélation d'ailleurs, puisqu'on a déjà pu la voir dans W.E de Madonna (excellente en Wallis Simpson), Never let me go, We want sex equality et Brighton Rock. Elle est magnifique, troublante, bouleversante, et confirme son statut d'actrice à suivre.

Une jeune femme indienne vit avec sa famille pauvre dans une région reculée de l'Inde. Un jour, elle rencontre un jeune homme, fils d'un homme fatigué qui possède plusieurs hôtels. Celui-ci tombe sous le charme de Trishna et lui demande de venir travailler dans l'hôtel de son père. Ils entament une liaison.

Il est indiqué au début du film que Trishna est adapté du roman de Thomas Hardy, Tess d'Urberville. Mais mettons les choses au point rapidement : ce n'est qu'une adaptation très lointaine du roman et outre quelques scènes, le film de Michael Winterbottom diffère pas mal de l'original (déjà adapté par Roman Polanski dans le très beau Tess). Une fois cela établit, on passe plus de temps à apprécier le long-métrage qu'à repérer les différences entre les deux oeuvres.

De quoi parle donc Trishna? D'une histoire d'amour impossible à cause de milieux sociaux trop différents qui se termine en tragédie. Trishna (Freida Pinto, sublime) n'a rien, est naïve mais digne (en cela elle est une pure Tess) mais croise le chemin de Jay (Riz Ahmed, séducteur dangereux) qui incarne à lui seul les deux héros masculins dans Tess, à la fois Angel et Alec, homme riche qui sera à la fois son amour et sa perte. La dualité de Jay est d'ailleurs parfois difficile à cerner dans ses retournements, car ils sont trop brusques et le contexte social, selon moi, ne peut justifier cela à lui seul. Mais le personnage est intéressant et aurait nécessité un éclairage un peu plus important pour mieux le comprendre.

  Le style de M.Winterbottom est rèche, bref, il y a peu de dialogues, ça ne sombre pas dans le mélodrame, ce qui fait de Trishna une tragédie classe. Mais qui malheureusement, empêche la passion de nous transporter, nous spectateurs. Il y a pourtant la musique (sublime) de Umebayashi, compositeur du grand Wong Kar-wai et quelques ralentis qui pourraient nous faire penser à In the mood for love ou 2046, mais sans grande conviction. Néanmoins, la force de Trishna réside dans sa vision de l'Inde actuelle, vivante, moderne, pauvre, bruyante et dont les villes (ici Bombay) sont créatrices de rêve (Bollywood, le cinéma, la danse) en comparaison avec la campagne, au Rajasthan, plutôt synonyme de dur labeur et douleur (l'avortement forcé par les conventions sociales, les traditions plutôt lourdes, la place des femmes). Le réalisateur transpose l'Angleterre victorienne en plein changement industriel dans une Inde "contaminée par une lutte des classes omniprésente" comme le dit très bien le synopsis officiel. 

Trishna se révèle en définitive plutôt bon, c'est un film au contraire de facture honnête mais qui s'essouffle dans sa seconde partie et fait seulement planer le spectre de la passion sans jamais nous submerger. Un Michael Winterbottom qui n'a pas la puissance émotionnelle d'Un été italien ou d'Un coeur invaincu.

Trishna de Michael Winterbottom

Sortie le 18 octobre par BAC films.

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Il y a quelques années un certain Zack Snyder, cinéaste en puissance, remettait au goût du jour le péplum mythologique avec un certain brio et une vision totalement neuve et entraînante (300). Tarsem Singh s'est inspiré fortement de 300 pour son nouveau film, Les Immortels, soit l'histoire de Thésée (le sexy Henry Cavill), jeune pêcheur qui décide de se battre contre Hypérion, le grand vilain de l'histoire (Mickey Rourke qu'on ne présente plus). Un an après le blockbuster Le Choc des Titans (qui n'a pas convaincu la presse et les professionnels, mais a réalisé un joli coup d'élcat au box office américain - qui a dit que les américains avaient bon goût?), le réalisateur indien se lance dans l'aventure mais peine à séduire malgré un péplum de meilleure qualité (mauvaise presse, box office moyen). Pourtant à comparer les deux films sortis à quelques mois d'intervalle, Les Immortels est en terme de mise en scène beaucoup plus recherché, innovant : plans travaillés, couleur cuivrée dominante, ralentis (à la manière de 300), style et violence graphique (avec notamment beaucoup de figures géométriques dans les décors et les objets)...Bref, Les Immortels tient plus du film hybride que du gros blockbuster, cela étant dû à la personnalité artistique de son réalisateur venu d'un cinéma plus expérimental. Malheureusement, il manque un supplément d'âme à ce péplum qui aurait pu être une grande tragédie épique, mais qui se contentera d'être un film sympathique (vu en 2D, je ne pense pas que la 3D amène grand chose) dans lequel les personnages peinent à séduire le spectateur : faiblesse du scénario, manque d'humanité, trop de manichéeisme et pourtant, le film est moins conformiste que le film de Louis Leterrier. Quand aux acteurs je les ai trouvé plutôt crédibles, contrairement à ce qui a été dit (à voir en version originale bien sûr). De John Hurt à Luke Evans en passant par la belle Freida Pinto, le réalisateur a su néanmoins rassembler des acteurs venus de divers horizons. N'est pas Snyder qui veut ! 

En bref: Loin du navet annoncé, Les Immortels a une vision plus graphique, plastique et moins conformiste de la mythologie que Le Choc des Titans. S'il est parfois un peu vain et le scénario un peu faible, Tarsem Singh surprend (c'est peut-être aussi cela qui a déplu).

DVD reçu grâce à l'opération DVDtrafic par le site Cinetrafic. Découvrez aussi plein d’autres films sur Cinetrafic dans la catégorie Film d'action et la catégorie Film fantasy. 

Les Immortels de Tarsem Singh

En DVD et Blu-ray le 23 mars

Distribué par la Metropolitan Filmexport